lunes, 27 de febrero de 2017





WILLIAM JOSIAH REDWORTH (REINO UNIDO, 1873-1947).
VISTA DE WINDSOR
Óleo sobre tela. Firmado y fechado en 1902
Cantú Y de Teresa Collection

Christies
. William Josiah Redworth (1873-1947)
Buckinghamshire, este pintor estudió en la Escuela de Arte de Chelsea y mostró en los principales lugares de exhibición de Londres incluyendo RA, PS, RI y RI . También mostró en Escocia en la RSA.

La Escuela de Arte se fusionó con la Escuela de Arte de Hammersmith, fundada por Francis Hawke, para formar la Escuela de Arte de Chelsea en 1908. La escuela recién formada fue tomada por el Consejo del Condado de Londres y un nuevo edificio erigido en Lime Grove, Con un plan de estudios extendido. En 1914 se erigió en el mismo lugar una escuela de comercio para niñas. La escuela adquirió locales en la calle Great Titchfield y fue alojada conjuntamente con la Escuela Politécnica de Quintin Hogg en Regent Street (un precursor de la Universidad de Westminster). El campus de Manresa Road introdujo la pintura y el diseño gráfico en 1963, siendo ambas disciplinas particularmente exitosas. Durante este período, Chelsea tuvo la más alta inscripción de estudiantes de bellas artes en cualquier escuela de su tipo en el país, produciendo muchos artistas notables como Ossip Zadkine, Mark Gertler y Paul Nash.
Lawrence Gowing, pintor e historiador del arte, fue designado como el primer director de la Escuela de Arte de Chelsea. Fue responsable de la integración de la historia y la teoría con la práctica, empleando artistas en lugar de historiadores del arte para enseñar historia del arte y la teoría. Este enfoque sigue siendo intrínseco a la filosofía de enseñanza de Chelsea hoy. En Gowing, se introdujo un programa de opciones, que abarcó talleres de música experimental, poesía, psicoanálisis, filosofía y antropología. Un curso de diseño básico, iniciado por Victor Pasmore y Richard Hamilton, también se desarrolló durante el mismo período, convirtiéndose en la base del actual curso de fundación de la universidad en arte y diseño.
La escuela de arte de Chelsea era un estudio de enseñanza situado en los n. ° 4 y 5 estudios de Rossetti, calle de la inundación, Chelsea, que fue abierto en el otoño de 1903, por Guillermo Orpen y Augustus Juan que actuó como co-directores. Los artistas habían estudiado juntos en el Slade y aunque se pensó como una empresa conjunta, la mayor parte de la enseñanza y funcionamiento de la escuela fue emprendida por Juan, con la contribución principal de Orpen que es una serie de conferencias en anatomía. Tanto los estudiantes masculinos como los femeninos fueron admitidos en la Escuela pero, a pesar del estilo de vida bohemio de John, los sexos fueron segregados para las clases de Vida. También asistió Gwen Salmond, quien más tarde se casó con Matthew Smith. Ella actuó como un chaperón para las damas para hacer cumplir la segregación de los sexos. Además de las clases de la vida, el plan de estudios también incluyó clases en la naturaleza muerta, composición de la figura, paisaje y pintura decorativa. A pesar de que la Escuela atrajo a estudiantes del calibre de Henry Lamb y el hecho de que Augustus John fue capaz de co-optar a varios de sus antiguos colegas Slade para conferencias y demostraciones, el proyecto no fue un éxito financiero. El interés de Orpen, que nunca había sido grande, desapareció rápidamente; El interés de John también se desvaneció, a pesar de su entusiasmo por la enseñanza, y en 1907 la Escuela cerró. Esto no debe confundirse con Chelsea School of Art.

Británico | 1873 - 1947

William Josiah Redworth fue un artista visual británico que nació en 1873. Varias obras del artista han sido vendidas en subasta, entre ellas 'Polo Pony al lado de Trees and Vegetation' vendido en Tennants Auctioneers 'Spring Catalog - 3 Day Sale' en 2009. El artista murió en 1947.


El impresionismo es un movimiento artístico del siglo XIX caracterizado por pinceladas relativamente pequeñas, delgadas, pero visibles, composición abierta, énfasis en la representación precisa de la luz en sus cualidades cambiantes (a menudo acentuando los efectos del paso del tiempo), materia ordinaria, inclusión Del movimiento como un elemento crucial de la percepción y la experiencia humanas, y ángulos visuales inusuales. El impresionismo se originó con un grupo de artistas basados en París, cuyas exposiciones independientes les hicieron destacar durante las décadas de 1870 y 1880.
Los impresionistas se enfrentaron a la dura oposición de la comunidad de arte convencional en Francia. El nombre del estilo deriva del título de una obra de Claude Monet, Impression, soleil levant (Impression, Sunrise), que provocó el crítico Louis Leroy para acuñar el término en una revisión satírica publicada en el periódico parisino Le Charivari.
El desarrollo del impresionismo en las artes visuales fue seguido pronto por estilos análogos en otros medios que se conocieron como música impresionista y literatura impresionista.

A mediados del siglo XIX, época de cambio, como el emperador Napoleón III reconstruyó París y emprendió la guerra, la Academia de Bellas Artes dominó el arte francés. La Académie era el conservador de estándares tradicionales de la pintura francesa del contenido y del estilo. Se valoraron temas históricos, temas religiosos y retratos; El paisaje y la naturaleza muerta no lo eran. La Academia prefería imágenes cuidadosamente terminadas que parecían realistas cuando se examinaban de cerca. Las pinturas de este estilo se componían de pinceladas precisas cuidadosamente mezcladas para ocultar la mano del artista en la obra.  El color fue restringido y se atenuó a menudo más lejos por la aplicación de un barniz de oro.
La Academia tuvo una exposición anual de arte jurado, el Salón de París, y artistas cuyos trabajos se expusieron en el espectáculo ganaron premios, recaudó comisiones, y aumentó su prestigio. Los estándares de los jurados representaban los valores de la Académie, representados por las obras de artistas como Jean-Léon Gérôme y Alexandre Cabanel.
A principios de la década de 1860, cuatro jóvenes pintores-Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley y Frédéric Bazille- se conocieron mientras estudiaban bajo el académico Charles Gleyre. Descubrieron que compartieron un interés en pintar el paisaje y la vida contemporánea más bien que las escenas históricas o mitológicas. Siguiendo una práctica que se había vuelto cada vez más popular a mediados de siglo, a menudo se aventuraban al campo juntos a pintar al aire libre, pero no con el propósito de hacer bocetos para convertirse en obras cuidadosamente terminadas en el estudio, como era el habitual Costumbre.  Al pintar a la luz del sol directamente de la naturaleza y empleando atrevidamente los vivos pigmentos sintéticos que estaban disponibles desde principios de siglo, comenzaron a desarrollar una pintura más ligera y brillante que extendió el realismo de Gustave Courbet y Barbizon colegio. Un lugar de encuentro favorito de los artistas fue el Café Guerbois en la avenida de Clichy en París, donde las discusiones fueron a menudo dirigidas por Édouard Manet, a quien los artistas más jóvenes admiraron mucho. Pronto se unieron Camille Pissarro, Paul Cézanne y Armand Guillaumin
Durante la década de 1860, el jurado Salon rechazó rutinariamente alrededor de la mitad de las obras presentadas por Monet y sus amigos en favor de obras de artistas fieles al estilo aprobado. En 1863, el jurado del salón rechazó el almuerzo de Manet sobre el pasto (Le déjeuner sur l'herbe) principalmente porque representaba a una mujer desnuda con dos hombres vestidos en un picnic. Mientras que el jurado del salón aceptó rutinariamente los desnudos en pinturas históricas y alegóricas, condenaron Manet para poner un desnudo realista en un ajuste contemporáneo. El rechazo severo del jurado a la pintura de Manet horrorizó a sus admiradores, y el número inusualmente grande de obras rechazadas ese año perturbó a muchos artistas franceses.
Después de que el emperador Napoleón III viera las obras rechazadas de 1863, decretó que se permitiera al público juzgar la obra ellos mismos, y se organizó el Salón de los Refusos. Mientras muchos espectadores sólo se reían, el Salon des Refusés llamó la atención sobre la existencia de una nueva tendencia en el arte y atrajo más visitantes que el salón regular
El término impresionista ganó rápidamente el favor con el público. También fue aceptado por los propios artistas, a pesar de que eran un grupo diverso de estilo y temperamento, unificados principalmente por su espíritu de independencia y rebelión. Ellos exhibieron juntos -aunque con miembros cambiantes- ocho veces entre 1874 y 1886. El estilo de los impresionistas, con sus pinceladas sueltas y espontáneas, pronto se convertiría en sinónimo de la vida moderna.
Monet, Sisley, Morisot y Pissarro pueden ser considerados los "más puros" impresionistas, en su consecuente búsqueda de un arte de espontaneidad, luz solar y color. Degas rechazó gran parte de esto, ya que creía en la primacía de dibujar sobre el color y menospreciaba la práctica de la pintura al aire libre. Renoir se alejó del impresionismo por un tiempo durante la década de 1880, y nunca recuperó completamente su compromiso con sus ideas. Édouard Manet, aunque considerado por los impresionistas como su líder,  nunca abandonó su uso liberal del negro como un color, y nunca participó en las exposiciones impresionistas. Continuó presentando sus obras al Salón, donde su pintora española había ganado una medalla de segunda clase en 1861,
Y exhortó a los demás a hacer lo mismo, argumentando que "el Salón es el verdadero campo de batalla" donde se podría hacer una reputación.
Los artistas individuales lograron pocas recompensas financieras de las exposiciones impresionistas, pero su arte gradualmente ganó un cierto grado de aceptación y apoyo público. Su distribuidor, Durand-Ruel, desempeñó un papel importante en esto, ya que mantuvo su trabajo ante el público y organizó espectáculos para ellos en Londres y Nueva York. Aunque Sisley murió en la pobreza en 1899, Renoir tuvo un gran éxito del salón en 1879.  Monet llegó a estar seguro financieramente durante los 1880s tempranos y así que Pissarro por el 1890s temprano. Para entonces, los métodos de la pintura impresionista, en una forma diluida, se habían convertido en algo común en el arte del Salón.
Antes de los impresionistas, otros pintores, notablemente pintores holandeses del siglo XVII como Jan Steen, habían enfatizado temas comunes, pero sus métodos de composición eran tradicionales. Arreglaron sus composiciones para que el sujeto principal ordenara la atención del espectador. Los impresionistas relajaron el límite entre el sujeto y el fondo para que el efecto de una pintura impresionista a menudo se asemeje a una instantánea, una parte de una realidad más grande capturada como por casualidad. La fotografía estaba ganando popularidad, y como las cámaras se hicieron más portátiles, las fotografías se hicieron más francas. La fotografía inspiró a los impresionistas para representar la acción momentánea, no sólo en las fugaces luces de un paisaje, sino en el día a día de la vida de las personas
El postimpresionismo se desarrolló a partir del impresionismo. Durante los años 1880 varios artistas comenzaron a desarrollar diferentes preceptos para el uso del color, patrón, forma y línea, derivados del ejemplo impresionista: Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat y Henri de Toulouse-Lautrec. Estos artistas eran ligeramente más jóvenes que los impresionistas, y su trabajo es conocido como post-impresionismo. Algunos de los artistas impresionistas originales también aventuraron en este nuevo territorio; Camille Pissarro pintó brevemente en una manera del pointillist, e incluso Monet abandonó la pintura terminante del aire del plein. Paul Cézanne, que participó en las primeras y terceras exposiciones impresionistas, desarrolló una visión altamente individual enfatizando la estructura pictórica, y más a menudo se le llama post-impresionista. Aunque estos casos ilustran la dificultad de asignar etiquetas, el trabajo de los pintores impresionistas originales puede, por definición, clasificarse como impresionismo.

martes, 21 de febrero de 2017

Madona es una obra perteneciente a la Colección Cantú Y de Teresa  en 1929 fue vendida a la Colección Bher en Los Ángeles California , muchos años despues , la obra fue recuperada
Y traída a la ciudad de Mexico
Esta obra permaneció colgada en el comedor de la casa del artista y fue a partir de su muerte que dicha obra pasa a la collection CYDT

 























Las Madonas y las Vírgenes se van convirtiendo en una constante en la obra de Cantú. El tema ya es tratado por él desde la época de la Escuela al Aire Libre de Coyoacán. Sin embargo, esa devoción por el arte sacro, se va amalgamando poco a poco en su obra, al grado que en 1928 Cantú pinta su primer mural en Pasadena donde incluye el pasaje del Cristo Negro, pero también a manera de retablos, realiza la

También podemos agregar que dentro de las dos grandes retrospectivas de Cantú 1970 y 1986 fue expuesta en el palacio de las Bellas Artes.

Federico Cantú es el gran maestro del Arte sacro del Siglo XX
Y por ello su obra esta incluida en el Museo Vaticano.

Iconografía de la obra
Madona
En el lienzo como elemento central observamos una Virgen al estilo de Botticelli , ella se encuentra rodeada de Ángeles múscidos que según se presenta en la partitura entonan una obra de Bach , la madona carga a el recién nacido hijo de Dios , pero ostenta ya la corona de espinas, a sus pies se encuentra San Juan niño que se sobre pone a el Cordero místico, sorprendentemente es una obra temprana de Cantú pintada a los 21 años en su Atelier de Los Ángeles California .


Adolfo Cantú
bowordss©2017
Copyright © 1929-2017
Cantú Y de Teresa©

domingo, 19 de febrero de 2017

Madonnas y Vírgenes 

Las Madonnas y las Vírgenes se van convirtiendo en una constante en la obra de Cantú. El tema ya es tratado por él desde la época de la Escuela al Aire Libre de Coyoacán. Sin embargo, esa devoción por el arte sacro, se va amalgamando poco a poco en su obra, al grado que en 1928 Cantú pinta su primer mural en Pasadena donde incluye el pasaje del Cristo Negro, pero también a manera de retablos, realiza la Madonna y el Descanso en la Huida a Egipto donde la Virgen y el Niño son el elemento central. La serie de tintas incluidas en la carpeta Dorian ya narran las temáticas de este laberinto bíblico.


Existe una dualidad en el pensamiento otorgado por el joven artista en torno a la mujer que, si bien es símbolo de fertilidad y erotismo, también se trasforma en lo más puro y sacro. En un comentario dirigido a su cuñado Alfonso, Cantú dice: sentí que se metían con mi madre y eso sí no lo puedo tolerar. Y no es para menos, él ve en la figura materna, una gran protectora y patrocinadora de su proyecto de vida, por lo mismo aplaude y comparte la idea que María Luisa tiene de triunfar en Los Ángeles, al grado de que dentro de las publicaciones de Alma Femenina, Federico ya incluye obras gráficas y dibujos a tinta, diseñando asimismo la portada del libro titulado Soñando un Hijo” también publicado por "Loreley".

Por supuesto que su esposa Luz se ve beneficiada de estos intereses artísticos del entorno familiar, iniciando sus primeros trazos en obras pictóricas que años después la llevarán a dedicar su vida a la pintura. De esa gran época ella me confiaba: “no sólo ayudaba a tu abuelo a reentelar y  limpiar pinceles, también me convertí en su modelo. Todas esas obras de la época de California tú papá y yo servíamos de modelo y, para seguir, esa tradición a ti te toco ser años más tarde el bebé de la Madonna del IMSS.

Sin duda la carpeta Dorian es muestra de técnica e iconografía, una rica y fructífera narrativa de eventos finamente dibujados a lápiz, tinta y grabado, un examen de conciencia tanto de temáticas como de sueños. Todo ese cúmulo de obras leídas por el artista están presentes en pasajes descritos con gran puntualidad, en ensayos plásticos en torno a personajes como  Ícaro, Orfeo y Ulises.

Pero también existe una constante dentro de esta obra, donde de manera fundamental está la mujer, quedando explicita una sexualidad que muestra como narrativa en todas y cada una de sus modelos. Algunas ostentan su maternidad, probablemente, porque el mismo Cantú está viviendo en Francia, apartado de su hijo y de su esposa que habitan en México.

jueves, 16 de febrero de 2017

Eusebio Hierónimo (en latín, Eusebius Sophronius Hieronymus; en griego, Εὐσέβιος Σωφρόνιος Ἱερώνυμος) (Estridón, Dalmacia, c. 340Belén, 30 de septiembre de 420), conocido comúnmente como

san Jerónimo, pero también como Jerónimo de Estridón o, simplemente, Jerónimo, tradujo, por encargo del papa Dámaso I (quien reunió los primeros libros de la Biblia en el Concilio de Roma en el año 382 de la era cristiana), la Biblia del griego y del hebreo al latín. Es considerado Padre de la Iglesia, uno de los cuatro grandes Padres Latinos. La traducción al latín de la Biblia hecha por san Jerónimo, llamada la Vulgata (de vulgata editio, 'edición para el pueblo') y publicada en el siglo iv de la era cristiana, fue declarada en 1546 por la Iglesia católica en el Concilio de Trento, la versión única, auténtica y oficial de la Biblia para la Iglesia latina, y ha sido, hasta la promulgación de la Neovulgata, en 1979, el texto bíblico oficial de la Iglesia católica.
San Jerónimo fue un célebre estudioso del latín en una época en la que eso implicaba dominar el griego. Sabía algo de hebreo cuando comenzó su proyecto de traducción, pero se mudó a Belén para perfeccionar sus conocimientos del idioma. Comenzó la traducción en el año 382, y corrigió la versión latina existente del Nuevo Testamento. Aproximadamente en el año 390 pasó al Antiguo Testamento en hebreo. Completó su obra en el año 405. Si Agustín de Hipona merece ser llamado el padre de la teología latina, Jerónimo lo es de la exégesis bíblica. Con sus obras, resultantes de su notable erudición, ejerció un influjo duradero sobre la forma de traducción e interpretación de las Sagradas Escrituras y en el uso del latín como medio de comunicación en la historia de la Iglesia.
Es considerado un santo por la Iglesia católica, por la Iglesia ortodoxa, por la Iglesia luterana y por la Iglesia anglicana.
En su honor se celebra, cada 30 de septiembre, el Día Internacional de la Traducción.



Nació en Estridón (oppidum, ya destruido por los godos en 392, situado en la frontera de Dalmacia y Panonia) entre el año 331 y el 347, según distintos autores. San Jerónimo, cuyo nombre significa 'el que tiene un nombre sagrado', consagró toda su vida al estudio de las Sagradas Escrituras y es considerado uno de los mejores, si no el mejor, en este oficio.’
En Roma estudió latín bajo la dirección del más grande gramático en lengua latina de su tiempo, Elio Donato, que era pagano. El santo llegó a ser un gran latinista y muy buen conocedor del griego y de otros idiomas, pero por entonces conocía muy poco los libros espirituales y religiosos. Pasaba horas y días leyendo y aprendiendo de memoria a los grandes autores latinos, Cicerón (quien fue su principal modelo y cuyo estilo imitó), Virgilio, Horacio, Tácito y Quintiliano, y a los autores griegos Homero y Platón, pero casi nunca dedicaba tiempo a la lectura espiritual.
Jerónimo se fue al desierto a hacer penitencia por sus pecados (especialmente por su sensualidad que era muy fuerte, por su terrible mal genio y su gran orgullo). Aunque allí rezaba mucho, ayunaba y pasaba noches sin dormir, no consiguió la paz, descubriendo que su misión no era vivir en la soledad.
De regreso a la ciudad, los obispos de Italia junto con el Papa nombraron secretario a San Ambrosio, pero este cayó enfermo y eligieron después a Jerónimo, cargo que desempeñó con mucha eficacia. Viendo sus dotes y conocimientos, el papa Dámaso I le nombró su secretario, y le encargó redactar las cartas que el Pontífice enviaba. Más tarde le designó para hacer la recopilación de la Biblia y traducirla. Las traducciones de la Biblia que existían en ese tiempo (llamadas actualmente Vetus Latina) tenían muchas imperfecciones de lenguaje y varias imprecisiones o traducciones no muy exactas. Jerónimo, que escribía con gran elegancia el latín, tradujo a este idioma toda la Biblia, en la traducción llamada Vulgata (lit. 'la de uso común').
Durante su estancia en Roma, Jerónimo ofició de guía espiritual para un grupo de mujeres pertenecientes a la aristocracia romana, entre quienes se contaban las viudas Marcela y Paula de Roma (esta última, madre de la joven Eustoquio, a quien Jerónimo dirigió una de sus más famosas epístolas sobre el tema de la virginidad). Las inició en el estudio y meditación de la Sagrada Escritura y en el camino de la perfección evangélica, que incluía el abandono de las vanidades del mundo y el desarrollo de obras de caridad. Ese centro de espiritualidad se hallaba en un palacio del monte Aventino, en donde residía Marcela con su hija Asella. La dirección espiritual de mujeres le valió a Jerónimo críticas por parte del clero romano, llegando, incluso, a la difamación y a la calumnia. Sin embargo, Paladio afirma que el vínculo con Paula de Roma le fue a Jerónimo de utilidad en sus trabajos bíblicos, pues su padre le había enseñado el griego y había aprendido suficiente hebreo en Palestina como para cantar los salmos en la lengua original. Es un hecho que buena parte del epistolario de Jerónimo se dirigió a distintos miembros de ese grupo, 2 al cual se uniría más tarde Fabiola de Roma, una joven divorciada y vuelta a casar que se convertiría en una de las grandes seguidoras de Jerónimo. Varios miembros de este grupo, incluidas Paula y Fabiola, también acompañaron a Jerónimo en diferentes momentos durante su estancia en Belén.
En el Concilio de Roma de 382, el papa Dámaso I expidió un decreto conocido como «Decreto de Dámaso», que contenía una lista de los libros canónicos del Antiguo y del Nuevo Testamento. Le pidió a san Jerónimo utilizar este canon y escribir una nueva traducción de la Biblia que incluyera un Antiguo Testamento de 46 libros, los cuales estaban todos en la Septuaginta, y el Nuevo Testamento con sus 27 libros.
Cuando tenía alrededor de 40 años, Jerónimo fue ordenado sacerdote. Pero sus altos cargos en Roma y la dureza con la cual corregía ciertos defectos de la alta clase social le trajeron envidias y, sintiéndose incomprendido y hasta calumniado en Roma, donde no aceptaban su modo enérgico de corrección, dispuso alejarse de ahí para siempre y se fue a Tierra Santa.
Sus últimos 35 años los pasó en una gruta, junto a la cueva de Belén. Dicha cueva se encuentra actualmente en el foso de la Iglesia de Santa Catalina en Belén. Varias de las ricas matronas romanas, que él había convertido con sus predicaciones y consejos, vendieron sus bienes y se fueron también a Belén a seguir bajo su dirección espiritual. Con el dinero de esas señoras construyó en aquella ciudad un convento para hombres y tres para mujeres, y una casa para atender a los que llegaban de todas partes del mundo a visitar el sitio donde nació Jesús de Nazaret.
Con tremenda energía escribía contra las diferentes herejías. La Iglesia católica ha reconocido siempre a san Jerónimo como un hombre elegido por Dios para explicar y hacer entender mejor la Biblia, por lo que fue nombrado patrono de todos los que en el mundo se dedican a hacer entender la Biblia; por extensión, se le considera el santo patrono de los traductores.



San Jerónimo
Oleo sobre tela
SigloXVII
Colección Cantú Y de Teresa


Murió el 30 de septiembre del año 420, a los 80 años. En su recuerdo se celebra el Día internacional de la Traducción.
San Jerónimo escribiendo es uno de los últimos cuadros de la etapa romana de Caravaggio, que forma pareja con San Jerónimo en meditación. Utilizó el mismo modelo que en su anterior composición, que tiene los mismos rasgos que este cuadro. Su estilo fue más tarde imitado por Diego Velázquez y Francisco de Zurbarán.
Este santo era bastante representado entre los artistas de la Contrarreforma. Entre otros extremos, porque propagó el culto a la Virgen María, algo que desdeñaban los protestantes y que era un signo de catolicismo. Aquí no se le representa con el león, que es uno de sus atributos y provenía en realidad de una leyenda medieval, sino en un entorno mucho más austero, con sus libros, estudiando, como erudito. Hay que recordar que san Jerónimo tradujo al latín la Biblia, versión conocida como la Vulgata. Como es propio de la pintura religiosa caravagista, la representación del santo se ha reducido a lo esencial: el escritorio, los libros, y un cráneo como memento mori, recuerdo de la fugacidad de la vida y del inexorable fin de todo lo terrenal.



Desde 1510 Durero se dedicó más al grabado que a la pintura y produjo estas obras maestras, en las que la perfección técnica y plástica se convierte en vehículo de un pensamiento que se traduce en alegorías. Como otros grabados del artista, esta imagen se caracteriza por una multiplicidad de símbolos iconográficos. La palabra alemana que aparece en el título original, "Gehäus" es una palabra en desuso refiriéndose a casa, habitación o estudio. En español podría traducirse como estudio o gabinete, que son las usadas normalmente para los cuadros representando a santos estudiosos como san Jerónimo o san Agustín.
San Jerónimo se sienta en la obra detrás de un escritorio. Esta clase de mesa es típica del Renacimiento. Principalmente al pintar se guiaba por la virtud teologal.
En una esquina de la mesa hay una cruz. Si se traza una línea imaginaria desde la cabeza de Jerónimo hasta la cruz, la mirada del espectador se dirige hasta una calavera cerca de la ventana, dos objetos asociados entre sí y que se relacionan con estos dos temas: la resurrección y la muerte. Para el espectador queda abierta la cuestión de si finalmente ganará la muerte o la vida.
En un primer término de la pintura aparece un león, componente tradicional de la iconografía de Jerónimo y un perro dormitando, animal que se encuentra frecuentemente en las obras de Durero y que simboliza la lealtad.
Son notables la increíble fidelidad al detalle y la refinada elaboración. El cuadro está lleno de pequeños temas que atrapan la mirada del espectador y que son típicos del Renacimiento nórdico y de Durero.





San Jerónimo, Museo del Prado, S. XVIII


San JerónimoFrancesco Bassano el Joven, S. XVI



 1   NEW ACQUISITION—In the early decades of the sixteenth century, Antwerp was a great center of commerce, finance, and luxury trade. The Flemish city attracted innovative painters like Quentin Massys, Jan Gossart, and Joos van Cleve working in a style that combined northern traditions with Italianate forms. Numerous other painters, whose work is only known under names of convenience, like the Master of the Lille Adoration, swelled the ranks of the Antwerp guild.

Saint Jerome in Penitence (by the Master of the Lille Adoration) is an ideal addition to our collection and can be seen alongside other exemplary paintings from Renaissance Antwerp—on view in Gallery 207.









Puede afirmarse que cuanto más noble y más generoso es el espíritu de una persona, tanto más sensible es a la vergüenza, como bien lo expresa San Jerónimo. Dícese que Aristóteles experimentaba vergüenza y pesadumbre por ser incapaz de sentir la emoción de las tragedias de Eurípides; que Homero se sintió avergonzado por no poder hallar la solución de cierto acertijo que le propuso un pescador y que Sófocles se hirió de muerte con un puñal por haber sido silbada una de sus tragedias. También se quitó la vida Lucrecia, avergonzada por su deshonra y para no escuchar murmuraciones públicas. Cuando el romano Marco Antonio fue derrotado por su enemigo, permaneció a solas, por espacio de tres días, en la proa de un buque, sin admitir ni siquiera la compañía de Cleopatra, anonadado por el despecho y la vergüenza. Así nos lo presenta Plutarco en su biografía. Apolonio de Rodas, poeta de Alejandría (siglo III antes de J.C.), abandonó voluntariamente su patria y su familia, avergonzado por haber recitado pésimamente su poema sobre los argonautas, según dice Plinio. Ayax sintió vergüenza y cólera cuando sus armas fueron entregadas a Ulises, y así muchos otros ejemplos de estados “furibundos” que están relacionados con el tema de la Melancolía.
Ptolomeo atribuye a la influencia celeste todos los síntomas que presentan los melancólicos, lo que niegan algunos aunque Pontano y otros propugnan firmemente el mismo criterio. Así se explicaría el carácter ya triste, ya alegre y jovial de tales enfermos. Si Saturno presidió su nacimiento, y estando bajo su influencia contrajeron la melancolía, serán de carácter intratable, descontentos, brutales y tacaños, tristes y silenciosos, y dados a la meditación. Si están dominados por el signo de Júpiter, serán ambiciosos y tratarán de alcanzar cargos, dignidades, honores, títulos nobiliarios, riquezas, etc. Si Marte orienta su destino, serán aficionados a las guerras, combates, duelos; intransigentes, enérgicos e irascibles. Los dominados por Venus son obsequiosos en el trato con el sexo opuesto y aficionados a las conquistas amorosas, así como a las artes y los pasatiempos. Los sometidos al designio de Mercurio son contemplativos y entre ellos muchos descuellan como poetas y filósofos de espíritu sutil. Si la luna presidió su nacimiento, se caracterizarán por su ansia andariega y efectuarán viajes y peregrinaciones, lo cual dará tema a sus conversaciones y será su preocupación absorbente.

 MUNAL




Antonio da Corregio, Madonna of Saint Jerome, Galleria Nazionale, Parma 


Jerome and Louis
oil on panel  43¬ x 49o in. (110.8 x 125.2 cm.)